Ray Balkwill A Trouvé Une Nouvelle Direction Dans Sa Peinture Après Son Retour à L’université.
Les peintres professionnels sont conscients que la créativité peut devenir une routine. Il s’agit plus d’un modèle que d’un désir de nouveau travail. C’est une situation courante chez les peintres. Si la peinture n’est pas nourrie d’expériences intenses, alors peut-être qu’un travail plus profond est nécessaire.
Cet article pourrait surprendre ceux qui ont suivi mon travail à travers les pages de ce magazine. Après mes études collégiales, j’ai étudié le graphisme, pas les beaux-arts. Cela a été suivi d’une longue et fructueuse carrière d’artiste publicitaire. Cela m’a conduit au style de peinture plus figuratif, pour lequel je suis le plus connu et présenté dans mes précédents articles sur la peinture. Je me considère donc comme un peintre autodidacte.
Le tournant a été en 1998 lorsque j’ai ressenti le besoin de retourner à l’université et j’ai décidé de poursuivre un diplôme en beaux-arts à temps partiel à l’Exeter College of Art.
Je peux dire que retourner à l’université m’a aidé à grandir en tant que peintre. J’ai pu voir mes peintures d’une nouvelle manière et expérimenter différentes façons de m’exprimer.
LE BREF
Le cours collégial comportait de nombreux projets, ce que j’ai trouvé très stimulant. Cet article est basé sur un projet appelé Personal Effects.
Le mémoire nous demandait d’identifier un objet, ou un groupe d’objets, qui avait eu un impact significatif sur nos vies. Il peut s’agir d’un vêtement, d’un meuble ou d’un artefact, par exemple. Il peut également s’agir de nombreux éléments non liés qui peuvent avoir été connectés, mais n’avaient aucun lien les uns avec les autres. Le ou les éléments, une fois examinés, devaient être accessibles à partir de nos souvenirs passés. Le résultat était une peinture qui a évolué à partir de la fusion de la mémoire et de la matière. Parce que la mémoire est mystérieuse et insaisissable, les possibilités d’utilisation sont infinies. Tous les travaux préparatoires ont été effectués dans un carnet de croquis A2.
LE CONCEPT
Après mûre réflexion, j’ai choisi un meuble de meuble. C’était un vieux buffet que j’avais dans mon enfance et qui existe toujours dans mon atelier. C’était le placard nature de mon enfance. Je l’ai utilisé pour stocker mes dessins, des livres sur la nature et d’autres objets du pays, notamment des coquillages, des pierres et des plumes, des nids, des crânes et des crânes de nombreuses souris et oiseaux. Il abrite maintenant mes matériaux d’art. Cependant, chaque fois que j’ouvre un tiroir ou une porte, je suis transporté dans mon esprit vers ces souvenirs d’enfance. J’ai eu deux véritables amours depuis mon plus jeune âge. Le premier était mon amour pour l’art et le second mon amour pour la nature. Ma famille a eu la chance d’avoir grandi dans la campagne du Devon. J’ai passé mes journées d’école à dessiner et à explorer les merveilles naturelles du plein air. Ces premières expériences m’ont marqué tout au long de ma vie.
LE CARNET DE CROQUIS
Le carnet de croquis est le meilleur endroit pour commencer lorsque vous voulez peindre des abstraits. Il peut être utilisé pour l’exploration d’un sujet ainsi que pour la documentation d’idées et d’expérimentations avec des matériaux. Il était crucial que tout soit documenté en détail afin que je puisse facilement reproduire le processus et les techniques si nécessaire. Ce ne sont que quelques pages tirées de mon carnet de croquis A2.
LE TRAVAIL FINI
Le but initial de la pièce était de faire se rencontrer mémoire et matière. J’ai aussi gardé à l’esprit le thème intemporel de la nature. Je crois que la portée des approches abstraites est si large que l’abstraction figurative et l’abstraction totale peuvent être utilisées côte à côte. Les motifs dominants, comme le crâne et les ailes du corbeau, sont évidents. Les qualités lyriques, cependant, sont mes réponses émotionnelles et mes pensées sur des thèmes tels que l’enfance, les libertés, le vol, le temps et le temps.
Parce que je voulais mieux rappeler les années 1960, j’ai décidé que la pièce finale devait être un monochrome plutôt qu’une peinture en couleur. C’était le résultat de mes souvenirs d’enfance de la télévision en noir et blanc, d’un appareil photo Brownie et de nombreux jours gris sur la lande voisine.
Les matériaux utilisés étaient de l’encre de Chine noire, de la peinture domestique blanche et des crayons Cont noir et blanc. Un panneau de support gris carré de trois pieds a été utilisé comme support. J’ai utilisé une variété de pinceaux de décorateurs pour appliquer la peinture et un chiffon. La technique du goutte à goutte a également été utilisée avec l’encre, lui permettant de jouer son rôle.
Une autre technique est l’éclaboussure ou le sgraffite, qui consiste à gratter la peinture avec des couteaux à palette. Des marques linéaires ont été créées à l’aide d’un crayon Cont en noir et blanc. Parfois, les émotions peuvent suffire à faire avancer le processus de peinture. Il devient un paysage de coups de pinceau plutôt qu’un paysage intellectuel.
La peinture abstraite encourage une approche expérimentale et expressive de la réalité figurative. Cela permet de créer quelque chose d’unique et d’individuel. Vous êtes peut-être à la recherche d’une nouvelle approche ou coincé dans un blocage créatif. Je vous recommande de sortir votre carnet de croquis et de commencer un projet. C’est une expérience joyeuse et libératrice qui vous permettra d’explorer de nouvelles avenues de la peinture. Les résultats ont été assez étonnants, comme je l’ai découvert.
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